(…) La creación artística, cuando es auténtica y veraz opone una feroz resistencia a la destrucción humana. Resistir pese a todo. Porque en esta etapa de la civilización, abrumados por chucherías tecnológicas que nos hacen perder capacidad para el uso responsable de la libertad (me asusta que haya más celulares que orejas), en este triste ámbito creado para el hombre de la multitud, donde caricaturas humanas conviven, pelean, se asocian para escalar estúpidos peldaños, se vuelven a pelear y vuelven a asociarse perdonándose cualquier sinvergüenzada, el hombre real no tiene espacio. Por aniquilamientos y exterminios, epidemias deliberadas, guerras y exclusiones, destrucciones ambientales, es lógico que busquemos amparo en certezas sociológicas, filosóficas, teológicas, etc., para poder entender u optar entre el bien y el mal. Sin embargo sólo la veracidad del arte nos presenta estas angustias en totalidad. Más allá de escuelas y movimientos, sólo el arte presenta todos los recovecos más profundos de la condición humana. No da soluciones pero, nos obliga, a nuevas preguntas. No nos hace felices, pero sí, más plenos. Nos desequilibra pero permite vernos.
Por no poder precisar qué es esta actividad creadora que me tocó ejercer, leo lo que dice Aldo Pellegrini: el artista es la antena de su tiempo, y a través de él, la humanidad entera se expresa, es decir pone afuera su presión interna. Ya no se expresa a sí mismo (como en las actitudes autoexpresivas) sino al hombre en sí mismo. A todos los hombres. O lo que me dice Enrique Pichón Rivière: (…) Los seres humanos siempre hicieron arte. Ya que de esa manera reparan su realidad destruida (lo que significa, miedo a la muerte) y lo recrean en un plano más sublime. Lo que, metafóricamente, me enseña Aldo Pellegrini y lo que, literalmente, dice Pichón Rivière significan la misma cosa: que nosotros los autores somos apenas representantes, agentes por donde se expresa la especie toda. Ésto debiera ser un ético llamado a la humildad, para poder decir que, aparte de “auténtico y veraz”, el artista debiera ser anónimo.
El arte expresa a la especie toda, decía, pero no ofrece soluciones explícitas. Pienso pretenciosamente en soluciones, pienso en la educación tal cual preveía Herbert Read, hace ochenta años, o Schiller, mucho antes, cuando las revoluciones industriales comenzaban a escindir al hombre. Ambos pensaban que casi toda la educación pública estaba deliberadamente concebida para dividir al hombre, exaltando su capacidad racional, anulando su capacidad emocional, ese espacio en el que acontecen el amor, la amistad, la comprensión, la piedad. Que esos sistemas educativos son responsables de esta crisis total, de esta delincuencia moral y de esta flagrante tendencia a librar guerras de exterminio.

(…) Es entonces el Arte la más desesperada búsqueda de comunicación, pero de la comunicación verdadera, la que va de alma a alma. Por tanto no pretendamos creación usando preservativos: nada nacerá allí. No hay certezas en el arte; y debemos ser corajudos y porfiados, pasionales y obsesivos, para reconocernos y hacer reconocer. Lo que el enajenado hombre contemporáneo ha olvidado ya lo sabían los pueblos “primitivos”. Picasso decía: (…) Aquellos seres que en la prehistoria construían esas máscaras o pintaban aquellas cavernas lo hacían con un fin sagrado; como una mediación entre ellos y esas fuerzas desconocidas que los rodeaban, para reparar sus miedos existenciales. Más allá del consumismo artístico, más allá de ferias y cotizaciones, el verdadero sentido del Arte debiera seguir siendo el mismo, tan sagrado como el rupestre.
Y por eso debemos seguir, insisto, en esta desesperada búsqueda de comunicación, sintiéndonos hermanos de aquel hombre de Altamira. Seguir, porque para bien o para mal, es lo único que nos queda.

La Plata, 13 de octubre de 2005.

-¿Qué otros temas conforman su repertorio doméstico?
-El trabajo creativo de mis hijas y mi esposa me revela que hay en ellas, por lo menos, un proyecto de felicidad (amenazado permanentemente por lo que Abelardo Castillo llamaría mi Apocalipsis personal). Mi vida cotidiana, nuestra vida cotidiana, pasa por mantener una tensa armonía entre sus proyectos y mis tristezas.

-Vive rodeado de tres mujeres creadoras. ¿Cuál es su posición frente al movimiento de liberación femenina?
-Susana, mi hermosa y paciente compañera por más de treinta años (nos conocimos casi al salir de la niñez), se ha convertido, superando inconvenientes físicos y vocaciones tardías, en una asombrosa maestra de danza. Ha creado una casa-taller, hace ya once años, donde ha integrado todas las artes. Y ha logrado bailar a través de sus alumnas y de sus hijas, Fernanda y Rosaura, que me sorprenden con el mágico manejo del espacio bailado. Y las tres también escriben, y lo hacen bien. Muy bien, y no es una opinión mía. Supongo que ése es mi modesto aporte a la liberación femenina . No sólo han crecido talentosas e independientes sino que hasta tengo que cocinar.

-¿Cómo era el “chico” Fernando? ¿En qué pensaba, con qué jugaba? Y el primer García Curten, el artista, ¿Cómo se pensaba a sí mismo?
-Hay por ahí una vieja fotografía . Veo en ella un Fernando niño, con sonriente e inofensiva cara de bueno, prolijamente vestido y peinado, con increíbles zapatos lustrados. Veo un hermano, una madre que une y protege. Todo sometido a la neta presencia de un padre astur, que aportaba seguridad y disciplina…Cuarenta años después, ya nada queda. De una u otra manera todos han muerto. No quedan ni sonrisa ni seguridad ni zapatos lustrados. Conservo la vieja fotografía de la misma manera que conservo alguna vieja y hermosa moldura de mi pueblo destruido por el “progreso”, sin saber qué hacer con ella.

-Vamos al artista. Su aprendizaje., su formación, sus influencias.
-En 1965, recién casados, nos fuimos con Susana a los EE.UU. Por dos largos años trabajamos de noche, limpiando pisos y baños públicos. Por ese tiempo apareció mi primera “pintura negra” y comenzó un largo aprendizaje de mí mismo para comprender esos cuadros del horror, tan insoportablemente lejos de la esperanza que hasta ese momento creía tener. Tal vez porque no sólo limpiábamos baños y oficinas, sino también los refugios antiatómicos que estaban debajo. Y de pronto apareció en mí una nueva y tenebrosa concepción metafísica de la vida. De la inquietante mano de mi primer maestro, Carlos López Ruiz (colombiano, muerto ya de cirrosis en su detestado exilio norteamericano), conocí a los expresionistas alemanes, y a Kokoschka, y a Soutine, y a Munch, y a sus casi invariables martirologios. Pero, y quizá no sea tan extraño, mis creadores-maestros fueron (y son) escritores. Y sobre todo tres grandes escritores argentinos. Roberto Arlt, a quien leía y releía desde mucho tiempo atrás. Ernesto Sabato, que me enseñó su doloroso amor por la Argentina. Y Abelardo Castillo, cuyo drama Israfel leía a la par que pintaba mis primeros cuadros. Recordaba a ese Castillo adolescente, a quien, en mi propia adolescencia, yo veía estupefacto, desde mi mediocre condición de alumno correcto, cantando atronadoramente por las galerías de nuestro colegio secundario de San Pedro, con su guardapolvo desprendido, arrogante y libre. Con los años me di cuenta de que ya por aquel entonces su talento era inevitable. Y cuántos años más pasaron (y cuántas rupturas en mí) para animarme a decirle, con cierto pudor y por carta, mi admiración y mi deuda. Y ahora, junto con mi hija Fernanda y mi esposa, no sólo trabajamos en una versión de Israfel, sino que hasta es mi amigo.

-María Luisa Manassero, la talentosa pintora y pedagoga argentina, habla de su taller-isla. Castillo, de su orgullosa soledad. Y hay un lugar común que dice que nadie es profeta en su tierra. ¿Cuál es su relación con la comunidad de San Pedro, o, más vastamente, con la sociedad en general?
-Es cierto, hay una soledad deliberada, elegida. Yo expongo muy poco, casi no viajo a Buenos Aires, no voy a inauguraciones ni participo en certámenes y, para colmo, mi firma cambia de vez en cuando. Dentro del mundo de la plástica casi no tengo conocidos o amigos. En realidad, y a veces me preocupa, son muy pocos los amigos que me quedan. Pero esto último tiene que ver con otra soledad que me obsesiona: la soledad a que te somete la sociedad establecida. En este triste ámbito creado para el “hombre de la multitud”, donde caricaturas de hombres conviven y pelean, se asocian para escalar estúpidos peldaños, se vuelven a pelear y vuelven a asociarse perdonándose cualquier sinvergüenzada, el hombre real no tiene espacio. Como si fuese un enfermo contagioso esa sociedad se desprende de él, lo ignora, lo hambrea, lo exilia, lo suicida o lo crucifica. Y pero aún, cuando lo tiene bien crucificado lo incorpora nuevamente a sí misma, pero no para reivindicarlo sino para convertirlo en un objeto más de consumo. Si el pobre Van Gogh supiera que se ha transformado en el pintor más caro del mundo, también se cortaría la mano. “Hay muchas maneras de ser Cristo” y, salvando inconmensurables distancias, yo debo permitir que me claven las manos. Debo seguir amando.

-Hay dos temas obsesivos en su obra: la destrucción, la muerte. Usted habrá hecho su autoanálisis, ¿Cuál es su versión de la pintura y la escultura de García Curten?
-Sé que no pertenezco al admirado mundo de los grandes artistas que logran en su obra la pura y serena belleza. Los que en cósmicas armonías son algo así como la prolongación de Dios sobre el planeta, los que con infinita bondad purifican los espacios. Yo pertenezco a la desventurada y querida especie humana, y estoy metido en su enajenación y desdicha. Esa especie que ha producido unos pocos santos y demasiados torturadores y asesinos, fabricantes de armas y fabricantes  de hambre, destructores de la madre tierra y traidores del destino humano. Siento esa culpa y con basura y piedad construyo mi obra, concibiendo el arte ( y la vida) como un pesado esfuerzo para evitar el desastre final, como una manera de asumir el caos existencial, mostrarlo en dolorosa confesión y, a partir de allí, encontrar la punta de la esperanza tal vez la salvación.

MARTHA BERLIN Y
FERNANDO GARCÍA CURTEN

(…) ¿Cómo diste, Fernando, así, con lo “humano, demasiado humano”? Te agradezco tu sabiduría. OSVALDO BAYER.

En la inquietante y perturbadora obra de Fernando García Curten se escucha el grito desolado del fin del milenio,. SYLVIA IPARRAGUIRRE.

(…) Artista formidable (…) LUIS FELIPE NOÉ.

(…) Estoy asombrado por esta obra de tan profundo lenguaje. García Curten está en la primera línea de la escultura argentina actual (…) ANTONIO PUJÍA.

Para encontrar lo esencial debemos salir de Buenos Aires. Me siento conmovido por la obra y el hombre. LEO VINCI.

(…) es la primera vez que encuentro sintetizada la concreción del Eco-Museo (…) Dr.  HÉCTOR MELLADO. (Museólogo).

Para este genial artista, mi fraternal abrazo. ERNESTO SABATO.

(…) Para Fernando, que conversa con Dios en el infierno. ABELARDO CASTILLO.

(…) Con tu obra comprendí que el arte es el acontecimiento de la emoción, su puesta en escena, el hecho que la sostiene. ENRIQUE FOFFANI.

Es (F.G.C.) uno de los pocos artistas grandes, que tuve la suerte de conocer en mi vida. LILIANA HEKER.

(…) sus obras rompen los cánones de la estética convencional y nos ponen frente a una realidad que ya estamos vislumbrando… Se adelanta a su tiempo. OSCAR PEREIRA.

Pesadillas de madera de un ateo con hambre de Dios. (…) Demasiados fantasmas para un pueblo tan chico.(…) F.G.C. es, apenas, el que cuida de esos fantasmas que lo preceden y lo sobrevivirán. RUBÉN KANALENSTEIN.

Pasen y vean… Es la danza de la muerte y de la vida.
Pasen y gusten, cómo se transforma el agua en vino. ÁNGEL DI MARTINO.

En esta sorpresiva visita, un muy buen encuentro. CLORINDO TESTA.

(…) La sensación de ver la obra en la Casa Museo del maestro, será para mí una gran inspiración, y una experiencia que nunca olvidaré. (…) PHIL MARKOWITZ.

Veo las esculturas en un escenario. Sos un genio. SUSÚ PECORARO.

(…) La obra de F.G.C es un ejemplo de la creación que sale del alma. Un camino que todos deberíamos seguir. JANNINE WOLFSOHN.

Tu obra y tu vida son una lección de coherencia y humildad. JOSÉ RUEDA.

Encuentro memorable con F.G.C. ROMA GEBER.

A F.G.C., en visita a este mundo del subconsciente (…). OSCAR CAPRISTO.

(…) Abrumadora capacidad de trabajo y denodada búsqueda del oficio de escultor con lo que logra exaltar la forma con verdaderos estallidos de creatividad. (…) PEDRO SUÑER. Director Centro Cultural Biguá. San Pedro, Argentina.

(…) Sabiduría conceptual y artesana. (…) Era necesario decirlo así, golpeando por igual al corazón y a la conprensión de todos los seres del mundo (…) EDUARDO BALIARI. “El Economista”. Buenos Aires, Argentina.

(…) Materiales elegidos, pero de desecho, son los que emplea para realizar su obra, que trasciende la exacerbada visión del expresionismo con una provocativa llamada a la reflexión y un propósito crítico. (…) ALDO GALLI. “La Nación”. Buenos Aires, Argentina.

(…) Fernando García Curten ha fundido y fundado un universo particularmente temible, sin alternativas. Un empinadísimo territorio de belleza anticonvencional, de indispensable visión. Uno de los paneles más impresionantes que ha dado la plástica argentina en los últimos años. (…) ALFREDO ANDRÉS. Revista “La Cosa”.Buenos Aires, Argentina.

(…) Figuras grotescas con trazos espeluznantes en la expresión. Los ojos ven un siniestro proceso en el cual el hombre es desnudado hasta los huesos.(…) SIGWART BLUM. “Argentinisches Tageblatt”. Buenos Aires, Argentina.

(…) Parecería conjugar el caos en sus obras, en sus formas combustionadas, pero es posible detectar en ellas, subyacentemente, un rigor, una vertebración que permite aventurar la existencia de un equilibrio detrás de esa imaginería caótica, como si los términos se hubieran invertido y se partiera del orden hacia aquella y no a la inversa, para fijar el testimonio, para darle solidez y permanencia. (…) OSIRIS CHIÉRICO. “Correo de la Semana”. Buenos Aires, Argentina.

(…) Sorprende y estremece en la obra total del argentino Fernando García Curten la convicción que constituye su aliento. Arte que consigna más que denuncia, que subraya en totalidad en vez de subrayar parcialmente. La empresa en cierto sentido apocalíptica a que se entrega está servida por un oficio maduro, sentido, responsable. (…) ENRIQUE AZCOAGA. Revista “Blanco y Negro”. Madrid, España.

(…) Una obra antiburguesa, en el primer escalón del grito, para aquellos que asumen la disímil realidad y no tienen miedo de destruir placenteros esquemas de vida. EDNA POZZI. “La Opinión”. Pergamino, Argentina.

(…) Fernando García Curten da la positiva sensación de haber logrado algo muy dificil y esquivo: lenguaje, estilo propio. La habilidad en cuanto a obtener efectos visuales sombríos, pero nunca turbios y mucho menos indefinidos, configura acentuados rasgos de una personalidad cuyo principal elemento es la fuerza, una fuerza de acendrada vehemencia. (…) CÉSAR MAGRINI. “El Cronista”. Buenos Aires, Argentina.

(…) Por la condición de sus imágenes y por la descarnada visión, podría ser calificado de maldito. (…)HORACIO CORREAS. “La Capital”. Rosario, Argentina.

(…) Su fuerte y sublime internalización del dolor humano, establece vecindades con la dramática expresiva de todos los tiempos. (…) ALMA CORREALE. Revista “Reconstruir”. Buenos Aires, Argentina.

(…) es en el panorama de la plástica iberoamericana el resultado de un esfuerzo por devolver a la pintura su valor específico y testimonial. Con idioma plástico totalmente diferente, superando ampliamente el expresionismo tradicional, la operación mental y estética que realiza es prácticamente la misma que la de los maestros del expresionismo. RAÚL CHÁVARRI. Centro Iberoamericano. Madrid, España.

(…) Visión lacerada del mundo, de realidades que subyacen en la conciencia del artista. La angustia, el clima sombrío, la exacerbación ante lo vano y perecible de la existencia humana. ROMUALDO BRUGHETTI. “La Nación”. Buenos Aires, Argentina.

(…) Y así es. Testimonio de este tiempo de asesinos y de santos, de criminales y de mártires, Fernando García Curten, testigo de cargo, artista de diferenciadora personalidad, se ha instalado fuertemente en el arte de nuestros días, atreviéndose a ser él mismo, sin titubeos, ni vacilaciones,(…) MARÍA SCUDERI. Revista “7 Días”. Buenos Aires, Argentina.

(…) Delante de sus obras no es precisamente placer estético lo que se experimenta, es más bien la fuerza que, nutrida por la desesperanza, habla de un espíritu enardecido capaz de recrear con acierto los males de la humanidad en la que él está inserto y por la que se siente culpable. (…) ANA MARÍA JUNQUET. Buenos Aires, Argentina.

(…) Los dibujos de Fernando García Curten son una descripción de la lucha por la vida, una lucha sin comienzo ni final, expresándose en una pantalla de horrores con los que una raza trata de decirnos sus penas y dolores. (…) STAR COURIER. Illinois, EE.UU.

(…) Violentas pautas y rudas valorizaciones son elementos que se encuentran en los dibujos de Fernando García Curten. Los trabajos de este artista, mezclan la descripción de la condición humana en su tierra, con la problemática universal del hombre contemporáneo. J. S. Georgetown University. Washington D. C. y University of Houston. Texas, EE.UU.

(…) es una muestra de escultura que seguramente será calificada como la mejor del año. El terror es atemperado con piedad y amor por la especie humana.(…) ALFREDO CERNADAS QUESADA. “Buenos Aires Herald”. Buenos Aires, Argentina.

(…) Sus impresionantes esculturas, hechas con desechos de maderas y con otros despojos, tienen una fortísima carga dramática.(…) Virtuoso trabajo dibujístico del artista. ALBERTO SAN MIGUEL. “Página 12”.Buenos Aires, Argentina.

(…) Autor adulto, irreverente y dolido, expresa en sus dibujos el auténtico grito de la repugnancia al horror, a la degradación de la criatura humana, con la debida dureza e indignación. BEATRICE VIGGIANI. “Opinión 3”. Venezuela.

Sus esculturas agónicas, desesperadas, bellas en la oscuridad, no parecen fruto de sus manos. Parecen en realidad los restos de una antigua civilización que fuera arrasada por un río de lava.(…) Viéndolo (a FGC) es imposible no pensar en Van Gogh. LUIS GRUSS. Revista “Acción”. Buenos Aires, Argentina.

El artista que más me gusta es Fernando García Curten (por suerte la Municipalidad decidió bancarlo porque era un ciruja) (…) Es lo más impresionante que yo he visto en Argentina. RICARDO COHEN  (ROCAMBOLE). Revista “La Maga”.Buenos Aires, Argentina.

(…) Parece no haber más que tres caminos: la desesperación, la frivolidad o la agonía. En la orgullosa soledad de un pueblo de Buenos Aires, un pintor, un escultor todavía muy joven, descubrió por sí mismo estas verdades, y eligió el tercer camino. El arte de Fernando García Curten es un arte agónico. Demasiado talentoso para la frivolidad, demasiado rebelde para la desesperación. García Curten encontró en sí mismo una forma de arte y probó una etimología. Agonizar, ya lo sabían los griegos, es lo mismo que luchar. En esta raíz semántica, en esa contradicción, yo he visto el secreto de estos cuadros y estas esculturas. Ya se trate de un humanoide que sostiene el marco de su propio estrago, de un ciclista calcinado que parece venir desde Hiroshima, de un abstracto sediento comido por su propia sed, estos fantasmas de alambre y madera y clavos, se instalan en la realidad como una negación. (…) ABELARDO CASTILLO. Del libro “Las Palabras y los Días”. Editorial Emecé. Buenos Aires, Argentina.

Por Diego Bagnera

Hechos sobre cartón o en papeles de las más inimaginables calidades, los dibujos de Fernando García Curten son ya un simbólico diario del mundo contemporáneo, rebeldemente aceptado por un hombre que se niega, una y otra vez, a maquillar en el arte lo que de inmediato, precario y doméstico tiene la vida. Como sus esculturas con desechos, sus dibujos están realizados con materiales ‘no homologados’ por el circuito de las subastas, las galerías y las más solemnes pinacotecas. Todo vale: desde las corrientes biromes Bic —lo que más usa— a fibras con alcohol, pasando por auténticas manchas de café, mugre o, incluso, el rastro que una brasa de tabaco deja al perforar accidentalmente un dibujo. La quemadura pasa, así, a ser admirablemente parte de una obra que otros habrían dado por perdida. García Curten acepta lo que llega a sus manos pero, desde su rebeldía, lo reelabora y, lo más importante, no cede a la tentación de hacer de eso un yeite: imposible encontrar esa misma perforación en otros trabajos.

Su mano, así, más que dibujar, tamiza. Destila un mundo que deja en tintes sobre el papel su huella, el testimonio de aquello que fue, es, está siendo desde la perspectiva única e irrepetible de un hombre como otros, fatalmente doméstico, pero preocupado como pocos por las condiciones de vida que observa. En sus dibujos conviven íconos de ayer y de hoy en una atmósfera dramáticamente absurda y familiar: cruces, macetas, girasoles, aviones, señalizaciones viales sin sentido, fusilamientos, pipas; pies, manos, dedos unidos no por articulaciones sino por clavos; pequeñas celdas de abeja numeradas, caballos que parecen perros, perros en cuerpos de caballos, ‘lamparitas Bacon’, sellos, caídas, humanoides, margaritas, tanques, fotos, huellas dactilares, insensatas letras sueltas, citas, armas nucleares, jinetes, recortes de periódico, escaleras, Casas Museos, soldados, tullidos, seres anónimos, raramente hombres, casi nunca mujeres. A veces, autorretratado, él mismo. Otras: Cristo, Goya, Van Gogh, y siempre, como una constante de su producción, miradas de infinita tristeza.

Magistralmente incomprensibles, sus dibujos se limitan a expresar la confusión general a la que él no contribuye explicándola. El sentido artístico de un escritor, decía Proust, se mide por su grado de sumisión a su realidad interior. La frase bien puede aplicarse a García Curten, quien a una exposición de orden lógico prefiere la expresión de un conflicto interno o de una tensión que no se resuelve y que siente incrustada en sí. En sus dibujos, el trazo es electrocardiograma y encefalograma a un tiempo: concentra en su delgada línea el punto en el que los desbordes de la emoción y el reposo reflexivo del pensamiento se sintetizan con talentosa visceralidad en la punta de una birome, un lápiz, un fósforo, un dedo manchado de tabaco. Para decirlo de una vez: su mano acata. Nunca manda. Acepta y plasma lo que va surgiendo, según llega, con auténtica honestidad, sin impaciencias ni ambiciones conceptuales de ningún tipo, sin anteponer la razón al instinto ni mucho menos convertir su arte en el de un surrealista profesional. Fernando García Curten privilegia en todo momento la tensión de dos fuerzas en pugna que, sólo juntas, sabe, pueden llevar en sí algo de verdad, la única al alcance de un hombre: la suya propia, ésa ante la que, según Proust, hay que inclinarse con humildad y expresar.

Los dibujos de Fernando García Curten —que se cuentan de a miles y abarcan más de 40 años de producción— son ventanas reflexivas hacia un pasado que alertan de un futuro, quizá, más grave, y rechazan, casi por filosofía, la nobleza del grafito o del papel Conqueror, como sus esculturas la anacrónica fidelidad del mármol, expresando así, al igual que éstas, el esplendor sin brillo de una civilización cansada, casi vencida por su propia historia y por su impotencia interior para vencer espiritualmente su lucha contra lo material. “Dibujar —escribió Van Gogh— es la acción de abrirse paso a través de un invisible muro de hierro que parece interponerse entre lo que se siente y lo que es posible realizar. Para atravesar ese muro, de nada sirve golpear fuertemente sobre él; para lograrlo se lo debe corroer lenta y pacientemente con una lima.” Heredero natural de esta impronta, Fernando García Curten va aún más lejos: corroe y vence ese invisible muro pero, a la vez, eleva esa acción puramente técnica al plano filosófico, dejando al desnudo, en su más feroz crudeza, un muro invisible que, en el mundo actual, se interpone también entre lo que sentimos y lo que nos es posible realizar.

El expresionismo representa una manera de ser en el mundo, de sentir la vida, responde a tipos y necesidades psicológicas que se repiten a lo largo de la historia, y traduce el sentimiento de algunos hombres, tan en la figuración como en la abstracción. No se trata de una forma “experimental” que revoluciona una etapa de la historia del arte con hallazgos novedosos en lo formal y que después pasa, como todo lo “novedoso” desde la historia. La estructura interna del expresionismo es una y siempre la misma.
La escultura románica del siglo X retuerce a sus personajes sufrientes y los coloca en los capiteles sin importarle cuánto les exige con sus contorsiones casi imposibles. En el siglo XVI, la pintura alemana expresa el dolor en los gestos crispados de Mathias Grünewald. En el siglo XX, en las órbitas vacías, los cuerpos mínimos, el color subjetivo, la línea insinuante de Edvard Munch. En todo este camino del expresionismo se reconoce a pesar de los cambios de apariencia que cada época imprime a su imagen.
En la obra de Fernando García Curten, esta apariencia se consustancia, además, con la particularidad de la materia que él elige para expresar sus intuiciones y hacerlas sensibles. Sus esculturas están hechas con material de descarte; de allí la coherencia que se percibe entre el hombre-en-el-mundo y el artista. Trozos de sillas rotas, palos, redes, tramas usadas, ramas de árboles, nudos de raíces, huesos, piolines y sogas, alambres, clavos oxidados, tubos de cartón, alambres de púas, caños, alambres tejidos, en síntesis: basura. Y he aquí que al descubrir esta materia de desperdicios, esta descripción de residuos nos recuerda a otro alemán: Kurt Schwitters (1887-1948), que llegara a construir sus cuadros, los Merzbilder, también con residuos, en el afán de castigar a la burguesía de su tiempo culpable, para los dadaístas, de la atroz guerra del 14.
Hoy resultaría infantil otorgar tanta influencia a la burguesía: hoy está la humanidad entera ante la responsabilidad de lo que se le hace a la vida. Y Fernando García Curten lo manifiesta en sus collages escultóricos infernales, mediante esa materia que ya de por sí es dolor, con la que pone de pie al hombre, lo hace caminar, lo despedaza, lo motoriza, lo crucifica, armando todo su dolor con puntadas de alambre implacables, con ataduras de sogas gastadas como gestos de protesta.
Todo esto es parte de lo que vi y sentí como la profunda verdad del hombre-artista Fernando García Curten. Este hombre tiene mucho para decir, y lo está diciendo desde la soledad de su taller-isla, allá en su San Pedro natal, aquel pueblo con río al que le sigue siendo fiel.